Barroco, hiperagresivo, grotesco... Pero lleno de vida.
Superjail es otro balbuceo de creatividad cruelmente arrojado del vientre de Adult Swim, cuyas producciones se encuentran acostumbradas a lanzar beligerantes productos de animación, joyas actuales desconocidas, de las cuales, estoy seguro, llegará su enorme momento de gloria en un instante más temprano que nunca.
Dentro de las obras reconocidas de Adult Swim se encuentran (The Venture Bros, Moral Orel, Superjail, Eagleheart y otros)
Superjail es un frenesí de animación, amparado en un sistema carcelario ultramoderno dirigido por The Warden, una suerte de alcaide tipo Willy Wonka con problemas de consumo de psicotropicos. En dicha cárcel funciona un submundo irreal de particularidades sin cabeza que van desde un guardia transexual, gemelos con poderes especiales, una pareja de presidiarios homosexuales, un doctor carnicero, etc.
El mayor defecto de Superjail es su duracion. Breves entregas de 10 minutos de maravillosas y delirantes historias. Alguna vez lei que ver Superjail era similar a conocer ' Mil y una maneras de morir', puesto que el descarnado espectaculo de masacre mediante el cual Jailbot u otro evento se deshace de los reos termina siendo absolutamente dantesco.Gore, humor, incorreccion...
Escribo sobre este pedazo de comedia antes de que los rumores de cancelación se hagan cierto (aunque fuerte son los rumores también de una second season).
Esta serie nueva de Adult Swim, no tiene nada de especial que la haga una joya entre sus pares, es más posee muchos elementos de series de familias promedio (Los Simpsons, Family Guy, etc), pero lo que a modo muy personal la hace distinto es lo mucho, pero mucho, que se parecen los personajes a la familia de este humilde escritor.
Aquella demencia familiar presente en todos los personajes se encuentra tan presente en mi familia, que me hace botar risotadas de identificación únicas. Y no solo se parecen en su personalidad, sino que presentan ciertas semejanzas que hacen dudar de la originalidad de su autor, pues muchas veces creo que existen cámaras en mi casa, pues, por ejemplo, Bob es igual que Linda, gritona con una voz única y con salidas tan, pero tan, peculiares que dudarían de su lucidez mental.
Por útimo, los hermanos, los 3, son el resumen de la demencia de las conversaciones que sostenemos entre yo y mi hermano, con muchos gritos y expresiones sin sentido.Bob Burger, sin ser una gran serie presenta personajes muy frescos y diálogos aún más refrescantes. Los tres hermanos refieren a la generación actual, una juventud sin rumbo, demente, pero buena onda.
Recomendada para aquellas mandíbulas ligeras ansiosas de botar una simple carcajada y pasar un buen rato.
En la tradición del cine claustrofobico, y de las historias centradas en la capacidad de un solo actor, arriba la interesante y dinamica apuesta de Mr. Boyle, "127 hours". Narración que surge de la adaptación de un caso de la vida real de Aron Lee Ralston, el escalador que se vio obligado a tomar drásticas medidas al quedarse atrapado al interior de unas grietas en un cañon aislado en Utah, con poca agua y comida.
La esencia de la cinta no reside en el hecho de que el protagonista se encuentre atrapado, sino en su apasionante viaje interno que reside en las culpas y responsabilidades que decaen en su persona. El mensaje de "127 Hours" es un mensaje de vida, de elegir luchar y de mirar hacia adelante aun cuando los obtaculos sean gigantes. James Franco logra cautivar a la audiencia aún en sus momentos más lunaticos, el carisma de su personaje y la entereza mental con la que decide enfrentar su situación lo hacen un personaje entrañable del 2010.
Por último, agradecemos a Boyle y su interés por brindar un producto que juega con lo amigable y dinamico, pues el relato no deja de ser agobiante y angustiante, pero en las manos del director logra convertirse en una narración fresca y fácil de seguir.
La tradición del cine de Arenofsky es eternamente visceral, nace de sus entrañas y se desenvuelve en su interior al punto de generar una particular repulsión. Es como un sueño raro que lentamente se va desenvolviendo en una pesadilla. Darren Arenofsky lo demostraba en la enigmatica "Pi"(donde ya trabajó por primera vez el tema de la psicosis como una vertiente de la búsqueda de la perfección) y aquella coral entrega que resultó ser "Requiem for a Dream" donde los vicios y bajezas del ser humano constituyen el real centro del filme.
Black Swan no es una película sobre el ballet ni el mundo oscuro detrás de escenas que las bailarinas viven día a día. Ese es solo el contexto. En realidad estamos frente a un thriller sobre la fragmentación de la sique humana ante la presión externa y la búsqueda de la perfección. Portman encarna brillantemente a la primera bailarina del teatro de New York en vísperas del estreno de el eterno clásico "El Lago de Los Cisnes". La presión por conseguir este papel, su reprimida personalidad, su sexualidad escondida, y otros elementos terminan lanzando una bomba mental, la cual se nos muestra a fragmentos en la cinta. Durante momentos, creí ver" Carrie", de Brian de Palma -con el desgraciado personaje de la madre-, en las que sus personajes centrales sufrían de sicosis y cuya realidad se entrelaza con la imaginación hasta el grado en el que no se puede discernir qué es real y qué no lo es. Por si fuera poco, el director adereza la historia con recursos del clásico cine de horror.
La diferencia, el relato es fresco, el mundo ballet funciona como perfecta excusa para que la narración se centre en el personaje principal y su lucha interna. La mente nos juega extrañas jugadas en la medida que creemos conocer los delirios de la protagonista. Y es que a final de cuentas eso es lo que Black Swan representa: un extraordinario logro del director que visualmente hace hasta lo imposible por llevar la historia a su máximo extremo. La cámara fluye con Natalie Portman, hace piruetas, se transforma con la misma intensidad que su personaje central.
La música es un protagonista más, nos brinda tenues momentos de pasividad contrarrestados por instantes de insanidad que desembocan en elementos, inclusive, gore. Nina arracandose la piel o rascandose la espalda, de seguro nadie se cortarás las uñas de manera tan tranquila desde ahora. La fotografía y los efectos especiales son ocupados de manera muy selectiva, pero perfecta, la transformación en cisne negro es sencillamente notable.
Y tal como el cine de Arenofsky lo dicta, los últimos 10 minutos de sus cintas son de catarsis, de argumentos, de imagenes, de sensaciones. Sobretodo de sensaciones. El gran triunfo de Aronofsky y de Portman se condensa en los últimos 10 minutos de la cinta, cuando Nina finalmente se convierte en el cisne negro. Es ahí donde la transformación de la delicada Portman es impresionante: es ahí cuando descubrimos que Aronofsky ha logrado sacar de Portman lo que la misma Nina se autoexige: la perfección.
DE LO MEJOR DEL 2010.
Calif: 9/10
Ojo con la nominaciòn a mejor director y mejor actriz.
"The Town" tiene todos los elementos que necesita una película gangsteril para convertirse en un hit. Carismaticas familias de ladrones que se aman y odian a la vez, el típico hermano desquiciado y oveja negra del grupo familiar, el cerebro del equipo que en el fondo es un buen chico, balazos a quema ropa y conversaciones tipo Bronx. A esto se le suma una genial escena de monjas asaltando bancos, fácilmente puede causar traumas en los niños.
La gracia de "The Town" no radica en su novedad, pues es una historia archiconocida, sino en la manera ágil de contar la historia, su inicio es muy dinamico y lo interna de lleno en el fondo de la cinta, robar bancos pasa de ser un simple hecho delictivo, sino más bien es un negocio familiar anclado en una tradición.
Correcta película con aquellos condimentos clásicos que le encantan a la Academia, a destacar el siempre buen trabajo de Jeremy Renner, que gran balazo en la cabeza que se come!
Podría tratarse tanto de la creación de Facebook como la creación conjunta de un nuevo sabor de chocolate (perdonando los billones de dolares de distancia entre uno y otro), el hilo de la cinta es el proceso de descubrimiento y consolidación como la red social de alcance mundial que es hoy día pero el foco de la historia es el relato conjunto de la amistad entre los protagonistas.Finalmente "The Social Network" nos habla de aquellos que el mismo Facebook no nos quiere hablar, de lo dificil que es tener y mantener amigos, de la diferencia de estar conectado las 24 horas con "estar ahí" para quien te necesita.
El tema de las amistades masculinas es un tema que se está volviendo a tocar en la industria, la sensibilidad con que nos dejo "Toy Story 3" al género fuerte por excelencia permite acercarse a ese aspecto más delicado. La pelicula relata la historia de Mark, el billonario más joven del mundo, y los pasos que se llevaron a cabo para crear el fenomeno que es Facebook, desde sus inicios en Harvard hasta la actualidad. En el camino para su apogeo hace y deshace amistades y coloca números al valor de las personas."The Social Network" es principalmente una historia triste, de despecho (que motiva al protagonista a crear Facebook) y desprecio, es el relato de nuestra generación que pide a gritos una bofetada para reaccionar frente al camino que parecemos destinados a seguir. Peliculón por donde se le mire, y ojo, la banda sonora a cargo de Trent Reznor (NIN) le da un gran plus a la cinta.
A veces, más a menudo de lo que parece, siento que pierdo demasiado tiempo hablando sobre películas intrascendentes, de lleno malas y de bajo perfil, como ocurre con la nueva cinta del sobrevalorado Nicolás López. La cual, fuera de la lapidaria critica nacional en su contra y el innecesario temita de los niños Down, no dejará ninguna clase de huella ni estampa.
Pero que quede claro, a diferencia de lo que se puede pensar, la cinta del director nacional no me parece el producto infumable que nos han tratado de vender ni tampoco la polémica película que trata tópicos prohibidos en nuestro país. Al contrario, la gracia de las películas de López es el enfoque distinto al genero nacional que intenta impregnar en sus obras (lamentablemente esa consigna nos brindó a 'Santos'), esta entrega se muestra quizás como la obra mas digerible y liviana de su repertorio, estupenda para pasar un rato amable con unas pop corn.
'QPTV' nos narra la historia de amores y desamores de un santiaguino despechado, solteros y con ganas de poncear. Posee buenos toques de humor, lentamente se transforma en una comedia romántica y posee un correcto repertorio de personajes secundarios, su tránsito es algo lento en la mitad pero su formato logra ser lo suficientemente dinámico para suplir sus diálogos vacíos.
Sin lugar a dudas, el mas grande de sus méritos es la manera en que logra presentarnos a Santiago como una bella ciudad, un paraíso urbano sofisticado. Sus imágenes nocturnas son preciosas y el esfuerzo que se hace por mostrarnos al Río Mapocho como un lugar romántico es valorable. Me quedo con esas maravillosas escenas de luces nocturnas.
Recomendable para ver en pareja una tarde libre. (Ojo con Pollo, acostumbrado a hacer personajes repugnantes).
Calif: 6,5/10 Sent from my BlackBerry® wireless device
¿Cuantas series tienen un social worker de protagonista? Interesante pregunta. El protagonista de esta nueva serie adulta es un asistente social que trabaja en el Departamento de Integración, su trabajo es insertar por medio de políticas laborales y terapias de grupo a la comunidad inmigrante de la ciudad.
La novedad se encuentra en estos 'inmigrantes' que resultan ser lobos, zombies, vampiros, monstruos en general. Lo cual para mi, social worker de profesión, se transforma en mi trabajo soñado, uno donde lidie día a día con fenómenos de la naturaleza.
La serie trabaja con un atrevido humor el tema de la segregación racial, pero también toca temas contingentes y livianos, con un sentido de humor gringo recomendable para los fanáticos de The Venture Bros. Su diseño y gráfica es muy novedosa, así como la idea de asimilar la convivencia cotidiana de humanos con monstruos, por ejemplo, contar con una escalera mecánica al infierno.
Interesante sorpresa de este 2010.
Calif: 8,5/10 Sent from my BlackBerry® wireless device
Esto del "preair" o filtraciones sorpresivas no es algo nuevo. Le trajo grandes resultados a Wolverine y a otros casos, y funciona de manera perfecta para eventos de larga espera como la generada con la enorme campaña publicitaria de "The Walking Dead". (la cual incluye figuración en el Zombie Day entre otras)
Es cierto que la calidad de video y de audio son bajas, así como ciertas definiciones de sonido y encuadre que creo que cambiaran en la versión final, aún así es posible apreciar la esencia del episodio, y más importante todavía captar el espiritu del comic. Se agradece el detallado esfuerzo de la adaptación ambiental y de reparto en la adaptación de la historieta original, así también los leves cambios que se realizaron a los 2 números del comic son compensados por el tratamiento de escenas logrado.La serie, pinta para buena y con lujos, mientras sepa cambiar los ritmos de narración entre lento y acelerado en momentos de transición, porque a la velocidad con que presentó los eventos en el primer episodio, podríamos tener para 5 años al menos.
Me declaro un fanatico enfermo del género zombie y sus vicios, la escena del caballo resulta para mi entonces simplemente magistral, terrible, pero magistral. El estreno en materias de serie durante este 2010.
Refrescante, dinamico, vital, jocoso y muy incorrecto. Su prolongada ausencia se hizo sentir en mi persona. Los echaba de menos y mucho, dentro de un uniforme panorama donde las series animadas no tienen mucho que ofrecer, Los Hermanos Venture nos siguen entreteniendo con aquel humor 100% gringo pero con esa calidad que han sabido explotar en sus numerosos capitulos. Me encanta que se retome esa curiosa amistad entre Brock y los chicos, extrañaba esa patologica paciencia que tiene nuestro guardaespaldas favoritos con aquel par de adorables patanes que sacan de quicio a cualquiera. En su episodio de regreso, el Team Venture vuelve a unirse para introducirse dentro del cuerpo de Rusty, solo para encontrar otro ejemplar de los clones de los hermanos Venture tapando una arteria. El regreso de Phantom Limb, el fallido ingreso universitario de Dean, o la pérdida de la virginidad de Hank, han vuelto a colocar en un pedestal lo mordaz que resultaba la serie y lo original que siempre fue.Por último, mi opinión personal apunta hacia lo genial que resulta una serie que trabaja con tal cantidad de personajes (superheroes, supervillanos, supercientificos, etc.) tan bien desarrollados.
En caso de quererlo The Venture Bros podría transformarse facilmente en una enorme tira cómica de acción de superheroes, el desafío elegido, no obstante, es el más dificil, hacer reir semana a semana a la audiencia, y con clase.
Una serie que se merece más reconocimiento y publicidad del que posee.
Jonah Hill no me convence en papeles protagonicos. Sosteniendo una pelicula cómica solo con su aparente carisma. Este gordito travieso es experto en escenas cortas pero jocosas, comentarios que llegan justo a tiempo, pero no para sostener dialogos de transición o chistes que se resuelven al final de la cinta.Russel Brand por su parte, me sorprende gratamente, pese a ser un pelmazo hiperventilado en la vida real, lleva a cabo su caracterización de rockstar de manera efectiva y con mucho toque de humor blanco. Sin embargo, lo mejor, por lejos, resulta ser la participación de P-Diddy, como un ambicioso manager musical (muy cercano a la autointerpretación) algo freak out, y con una curiosa obsesión por "mindfucking".
La pelicula cuenta la historia de un productor gringo que debe llevar a la mayor estrella en decadencia del rock de vuelta al "Greek" (un teatro de antología en la historia musical), y las peripecias que debe hacer para que un yonki de tomo y lomo llegue en una pieza para ese concierto. Si bien es una pelicula bien contada y construida, carece de humor y sintonia con el publico.
Calif: 5/10
PS: Aunque la escena de "The Mars Volta" es NOTABLEEEEE!!!!
Dado que cada vez tengo menos tiempo, inaguraré una nueva sección de "Reseñas a la Rápida" el cual en un tono algo más ligero me permitirá (y nos permitirá) seguir al tanto de los actuales estrenos. Por su comprensión, muchas gracias.
Machete (2010) Una pelicula "BadAss" por donde se le mire. Mexicanos con bigotes grandes y cuchillos descomunales desbordan por la pantalla. Que un personaje principal se llame Machete nos indica altiro que se trata de un peliculón cargado al chocolate y a la decapitación, un clásico instantaneo entre las peliculas categoría clase "b". La escena de las tripas estomacales usada como liana siempre será recordada dentro de aquellas imagenes pertubadoras pero extrañamente enviciantes.
Robert Rodriguez sigue haciendo de las suyas, de similar tenor a "GrindHouse", y filmada con la misma versatilidad de "Sin City", imposible aburrirse frente a la pantalla, más aún cuando se añade a esto la aparición de Jessica Alba y Lindsay Lohan dejando poco a la imaginación. La cinta que habla sobre la venganza de un fiscal mexicano contra el villano que asesinó a su familia y arruinó es un desliz de sangre, acción, humor negro y parodia. Pues ciertamente, Mr. Trejo se mueve a la perfección entre un personaje pastiche, kitsh pero muy, pero muy gracioso. Recomendado para mentes ávidas de absurdo entretenido.
La adaptación de un cómic siempre es complicada, se deben tomar decisiones respecto a que elementos dejar afuera y cuales incorporar a la historia. Siempre existen cambios significativos, y ciertos giros argumentales importantes que no dejarán a todos los fanáticos conformes. Lo importante de una adaptación es sacarle provecho a todos aquellos elementos y factores que por la naturaleza del comic no se podían expresar de mejor manera, un punto donde el Cine ha evolucionado incluso al 3D.
Y ese es el gran mérito de la cinta de Edward Wright, a diferencia de lo que pasó con la insulsa e infantil adaptación de “Kick-Ass”, cuya gran virtud presente en sus anteriores trabajos (la notable “Hot-Fuzz” por ejemplo) es el pulido trabajo de edición que realiza y la correcta utilización de los efectos especiales como herramienta de apoyo a la historia y no como foco de la trama.
En fin, debo reconocerme inicialmente como un mega fanático de la saga de Scott Pilgrim, el joven canadiense y sus desventuras amorosas. Me leí en un par de días los 5 primeros tomos de su historia, y esperé ansioso la publicación de “Finest Hour” el 6to y última entrega de la saga, pese al sin sabor de boca que me dejó el desenlace (así como acaba un producto con el cual te identificas) valoro enormemente el relato generacional que hace su autor, Brian Lee O’Malley, hacia la sociedad actual, un relato donde se relata entre otras cosas los intereses y encuentros de una generación marcada por la sobrevalorada cultura pop y por las relaciones “express”, pero se aleja de aquel estereotipo de juventud escasamente pensante y facilista que se insiste en entregar por los medios hoy día.
Scott Pilgrim es un joven en sus 23 años, cesante, que vive con su amigo gay en un apartamento escasamente amoblado. El comic navega en las aventuras cotidianas de Scott, su banda de garage compuesta por sus amigos del barrio, nada del otro mundo, excepto en el hecho de que nuestro protagonista conoce a la eternamente enigmática Ramona Flowers, y a la “Liga de los ExNovios” que trae consigo, debe derrotar a los 7 ex novios malvados para conquistar el corazón de una chica que levanta más preguntas que respuestas. Éste es el hilo de la historia, muy muy resumido, pero lo peculiar del cómic va más allá, mientras la historia principal se desarrolla y se entremezcla con lo que evoluciona de la situación personal de los diferentes personajes, sus relaciones, sus pasados, etc. Y es que, la peculiaridad del cómic es que introduce todo tipo de conceptos fantásticos, en muchos casos tremendamente influídos por los videojuegos y los cómics, sin prácticamente explicación, simplemente asumiendo que están ahí.
Por ejemplo, tenemos las subspace highways("autopistas del subespacio"... o algo así se traduciría, caminos que se pueden coger para llegar más rápido de un sitio a otro y que muchas veces pasan por los sueños de algunas personas: así es como Scott conoce a Ramona, pues ella las usa para ahorrar tiempo en sus rutas de reparto de paquetes para Amazon.ca, y una de las rutas pasa por los sueños de Scott), las peleas entre personajes, que incluso terminan con uno de los contendientes muerto y dejando un item, dinero o hasta vidas extra detrás (éstas se nos introducen al final del primer tomo como si fueran lo más normal), los puntos de experiencia, los poderes psíquicos que tienen algunos veganos (¿). Pero no nos quedemos con la lectura “por arriba”.
Porque en realidad Scott Pilgrim no es un cómic de fantasía (aunque es un cómic fantástico). Es bonito y es gracioso pero también hay una corriente de tristeza y angustia e incerteza y maravilla, todo lo que puede esperarse en una historia cualquiera de un tipo cualquiera que va creciendo y ve enfrentados sus sueños y esperanzas a los sueños y esperanzas de los demás. Todo eso de “lo que quieres hacer con tu vida” versus “lo que tu vida quiere hacer contigo”, el dónde encajas, el quiénes son tus amigos, el toma y daca de las relaciones, los sacrificios que se hacen, las heridas, los peligros, las ganancias… Dudo que haya mucho de autobiografía en este cómic, pero aún despojándolo de las improbabilidades y los estereotipos y los clichés románticos televisivos, puede sentirse una evolución en el protagonista (sobretodo en él y en su mejor amiga, Kim Pine, probablemente la más cuerda y madura de todo el ensamble), un verdadero crecimiento.
El 6to tomo del comic ahonda en la problemática nostálgica del protagonista, su pesar es más profundo que nunca así como la densidad de su conflicto interior, extrañamente nos damos cuenta que Scott no es aquel chico cool que se nos presentaba ser, es cobarde y muchas veces un desgraciado superficial, aún así lo queremos ver triunfar. A Pilgrim siempre lo queremos ver triunfar, crecer.
Pero volvamos a la película.
El gran atributo de la película es saber mezclar el elemento “arcade” de los videojuegos con efectos especiales correctamente efectuados, el director entiende que su desafío era hacer una propuesta visual atractiva y dinámica por sobre un guión cuyos diálogos (así como los del comic) no podían sostenerse por si solos. Es cierto, existen giros argumentales importantes (por ejemplo la breve y pobre explicación al dispositivo con el cuál Graves controlaba a Ramona) y muchas de las peleas cambian en relación al comic, sin embargo se tomaron estas opciones en función de la puesta en escena, lo cual dio gran resultado, el combate de bandas contra los hermanos asiáticos es espectacular, así como el homenaje a “Seinfeld” en pleno filme. Resulta muy revitalizador la introducción de Knives Chau como personaje fundamental en el desenlace de la obra, siendo el nuevo final (distinto al del comic) mucho más acorde al tenor de la historia trazada durante 5 tomos anteriores.
Que Wright se haya encargado de la adaptación fue un gran acierto, se llevó a cabo un tributo mucho muy decente de “Scott Pilgrim”, quizás uno de los mejores relatos generacionales de nuestra época. Que Michael Cera encarnara al protagonista levantó ciertos temores en relación a su habitual caracterización de joven alternativo y perdedor, la sorpresa es mayor al verlo representar escenas de acción y darle un tono menos patético incluso que el “Scott Pilgrim” del comic. Para que hablar del casting total del filme, escogido con pinzas y muy pertinente, especiales referencias a Ramona Flowers y Julie, calzan a la perfección.
Hace unas dos semanas, el loquito que vende películas en la feria de mi abuelo (3 x mil pesos) promocionaba a viva voz su nueva adquisición, “El Origen” de C. Nolan. Lo mejor de esto era la enorme reseña que hacía de la película en tan breve frase: "Lleve "El Origen"!!, Lleve "El Origen"!! Es como Matrix! Es como Matrix", la alusión a la primera de las cintas de los hermanos Wachowsky resultaba ser un reduccionismo absoluto que, si bien resultaba injusto para ambas cintas, no se alejaba mucho de la realidad en un aspecto, la primera vez que veas "El Origen" debes poner todos tus sentidos alertas en función de la película, tu misión será captar la esencia de aquello que estás presenciando, la vara está puesta muy alta pues Nolan consiguió su obra maestra con la última entrega de la saga de Batman, el desafío entonces es muy alto, pero no imposible.
Desde que Christopher Nolan presentó ‘Memento’ (2000), uno de los thrillers más sorprendentes y arriesgados de la pasada década (basado en el relato escrito por su hermano Jonathan Nolan), este realizador, nacido en Londres hace cuarenta años, ha sabido ganarse un lugar de privilegio entre los cineastas más respetados y respaldados de la industria norteamericana. El mayor logro de este director, es haber trasladado el cine blockbuster, aquel que atrae al público general a las salas de cine, al cine de autor, de toque personal y propuestas arriesgadas. Eso sucede con "Inception" que fuera de todo, es una propuesta personal que hacemos propia bajo la dirección de Nolan, quien abre nuestro método de percepción para generar comprensión a esta distorsionada realidad que se nos presenta.
El cine entendido como una ventana a otro mundo, tiene su máxima expresión en una película que te traslada a una fantasía de una forma tan poderosa que no quieres que acabe, es una experiencia tan apabullante que no notas el paso del tiempo, sólo quieres disfrutar el momento, cada momento. Es como vivir un sueño. El cine como un sueño compartido. ‘El Origen’ (‘Inception’) es eso. Es tan espectacular, asombrosa, trepidante, inteligente, romántica (la primera de este director tan centrada en el amor), que sus dos horas y media de duración llegan a resultar cortas. No podemos decir tal cosa de muchas películas, cada vez menos.
El viaje al mundo de los sueños tiene un enorme atractivo, pero Nolan viste el tono fantástico de thriller y es donde más brillante resulta el largometraje. Aunque quizás por su condición de blockbuster incluya brillantes efectos visuales, que bien pensado aportan bien poco al argumento, aunque consigue dotarlo de un poder hipnótico certero (buen ejemplo de ello es el momento Kubrick, todo un guiño y homenaje admirado) para acompañar al viaje de niveles oníricos del protagonista y su equipo. El asunto en Inception es apreciarla con una mente en blanco, atento a los diálogos y sus alcances. A cómo, sobre la base de las conversaciones teóricas de los personajes, estos se van construyendo y a la vez solventando la trama, sin caer en clichés, ni pecar de ser injustificadamente estrambótica en sus visuales. Todo funciona en la medida que se va combinando y el espectador se deja llevar en el curso de este viaje hacia las “profundidades” del inconsciente.
Gran parte de ese mérito recae en Leonardo Di Caprio, cuyo papel, sin ser exigente, recrea con enorme veracidad la sólidez de un personaje principal en el que recaen finalmente todos los síntomas que afligen a los personajes y escenarios de la cinta.
A su alrededor, un plantel de secundarios de auténtico lujo (Ken Watanabe, Ellen Page, Michael Caine, Tom Berenger, Pete Postlethwaite) en el que brillan con especial intensidad Joseph Gordon-Levitt (protagoniza la asombrosa pelea en el edificio que se vuelca), Tom Hardy (dando vida a un estupendo personaje que podría tener su propia película), Cillian Murphy (al que curiosamente Nolan vuelve a encapuchar, como en las dos entregas de Batman) y Marion Cotillard (una femme fatale en toda regla, irresistible y peligrosísima).
Además, cuenta con el despliegue de un soundtrack de ejecución prolija que se ajusta al carácter épico de la película que armoniza. Hans Zimmer lo hizo de nuevo, tal como en Batman Begins y The Dark Knight, potencia la acción, la emoción y finalmente todo el contenido de un producto cinematográfico absolutamente impecable. Es decir, esta es una mezcla que no teme menospreciar la inteligencia de la audiencia – no nos trata como imbéciles como es habitual – para meter bastante testa en la pólvora de sus balas. No solo eso, aquí nos presentan en el fondo una dinámica de ciencia ficción en torno a la pérdida y la culpa
La pata coja de Inception, es aquella que hizo tan grande al "Caballero de la Noche", la construcción de los personajes, de sus ambiciones y anhelos. Nolan, cuenta la peripecia supuestamente radical, pero finalmente superficial, de unos personajes expertos en entrar en los sueños de sus víctimas con el objetivo de robarles información, o en un caso extremo inocularles una idea. Dispositivo narrativo que le sirve a Nolan como excusa perfecta para indagar en algunos de sus temas predilectos, mientras no pierde de vista la necesidad de ofrecer espectáculo a sus incondicionales. No obstante el desfile de personajes secundarios que se insertan en el relato fantastico sin mayor motivación que otra que la que se estima en el guión, resulta algo pobre. Algo que no pasaba ya se con el Huasón de Batman, o con el mismo Dos Caras, todos personajes con un tratamiento psicologico único, en "Inception" ocurre demasiadas cosas que debemos aceptar solo porque su iniciativa lo amerita, los personajes toman dificiles decisiones sin entrecruzar motivaciones. ¿Alguien podría explicar acaso la importancia de J.Gordon-Llevit como personaje?
Cabe agregar que las reglas y normas internas de este relato de fantasía son endebles y están mal elaboradas. Nolan confunde la mente con el subconsciente, o lo racional con la inasible materia de los sueños. Hubiera sido realmente fabuloso que estableciera mejor los límites y el camino a seguir. Díficil es siempre hacer relatos sobre sueños, en los cuales las reglas queden igual de claras para todos.
Esto no permite desmerecer a la cinta del año 2010, tremenda por donde se le mire, obliga a querer ver de nuevo el gran show presenciado en pantalla gigante, posee el mejor trabajo de edición en años. Los aplausos se los lleva una pelea en gravedad cero a través de un pasillo cuya única reacción que genera es querer levantarse del asiento y celebrar. Disfrutar una película, ser de estos inmaduros que se ríen de los pretenciosos y aplaudir un momento en el que la película alcanza alturas de obra maestra. Nolan consigue aquello que muy pocos logran en la actualidad, que una vez acabada la función el público siga discutiendo y conversando sobre la película en sus casas y con sus amigos, algo que yo sigo haciendo hace más de una semana de verla.
Preciosista como pocas, nunca se sacarán de sus orejas aquel sonido tan especial con el cual cierran las escenas finales de la historia.
Calif: 9,5/10 Lavidaessueño Awards
Saludos.
Chamelo
¿Hay alguien más como yo que sigue en búsqueda de su totem?
